Iñaki Urlezaga y una relectura feminista de ‘Romeo y Julieta’

El ballet ‘Romeo y Julieta’ en versión de Iñaki Urlezaga será el primer título coreográfico de la temporada 2023 del Teatro Argentino. El gran bailarín, maestro y director de ascendencia platense puso manos a la obra hace meses para moldear esta nueva propuesta danzada, siempre sobre la partitura de Sergei Prokofiev, que contará con el Ballet y la Orquesta Estables de la casa, junto a primeros bailarines de relieve internacional en calidad de invitados.

¿Cómo está viviendo Iñaki el regreso a esos espacios que de algún modo forman parte de su propia historia? “Son muchas emociones en una -admite en un mano a mano con Balletin Dance-. Por un lado, es muy lindo compartir este momento con la compañía, a pesar de todas las dificultades para que el teatro finalmente termine de abrirse. Hoy estamos en una situación compleja desde muchos puntos de vista; es como vivir en una casa que todavía está en obras. es que El Argentino no está terminado realmente, con la complejidad que eso supone. Pero por otro lado es una alegría enorme que el Ballet vuelva a bailar a la Sala Ginastera. En ese sentido es un aliciente y una verdadera celebración. Hay integrantes que ingresaron por concurso y que todavía no han bailado en su escenario, que no conocen su teatro, no han visto al público. El teatro estuvo cerrado seis años y eso tiene toda una connotación, no sólo en los cuerpos sino en el ánimo de la gente”.

¿Y qué le representa el hecho de estrenar una obra propia en esa que es su casa?

En ese sentido es una alegría inmensa porque el Argentino es un teatro de producción, entonces no se hace solo la coreografía sino también el vestuario, los decorados, los arreglos musicales. Se trabaja con la emoción a flor de piel porque cada taller está activo, cada rincón del teatro está poniendo su magia para que el engranaje vuelva a funcionar.

LA OBRA

Este regreso de Urlezaga al Argentino se dio por una convocatoria directa de Tristán Bauer, ministro de Cultura de la Nación, quien se lo propuso el año pasado. “Lo bueno -dice el artista- es que como todo se dio con mucha antelación tuve nueve semanas para trabajar con los bailarines. Fueron ellos (la cartera de Cultura) los que me propusieron el título, y a mí me encanta, es una obra que quiero mucho, que bailé mucho y que ha crecido en mí a través del tiempo. Tenía dieciocho años cuando la hice por primera vez y me acompañó hasta el final, porque con esa obra me jubilé. Es algo que amo y que conozco bien”.

A Iñaki le atrae particularmente que “se trata de una historia muy humana, real, que si se sigue representando verídicamente va a seguir cobrando fuerza a lo largo de los años. Siempre, hacer Shakespeare es como volver al psicoanálisis. Cada día que lo transito y voy en busca de una mayor profundidad, es un autor que me ofrece nuevas herramientas para seguir descubriéndolo”, dice.

¿Cuál cree que es el sello que su visión puede dejar impreso en esta obra?

Seguramente, mejor que yo podrán decirlo el público y los artistas. Pero hoy más que nunca descubro en Julieta a una mujer absolutamente feminista. Alguien que con catorce años le dice que no a su padre, que no va a cumplir los designios que él tiene para su vida, es algo inigualable. En aquel momento ser rebelde y autónoma te costaba la vida, y así fue. Probablemente, si Julieta existiera hoy se casaría y comería perdices. Pero quinientos años atrás asumir esa postura te costaba la vida. Esta relectura de Julieta que podemos hacer desde el presente la ubica en una vanguardia. Es una lectura muy actual que la obra nos permite hacer porque los tiempos y la mirada de la sociedad también han ido cambiando. No es una mirada nueva pero sí más profunda. E incluso no he tenido que subrayarla deliberadamente sino que se fue dando de manera natural porque las ‘Julietas’ de hoy tienen otra visión acerca de la obra, y otras inquietudes. Es así que de manera no forzada nacen determinadas situaciones que antes estaban veladas y que hoy el vigor que ha cobrado la mujer provoca que se transfieran a todo lo que hace.

¿Y en qué lugar queda el hombre?

Esta mirada hace más cruel el rol del padre pero no el de Romeo, porque Romeo no está involucrado de manera directa en esa parte de la historia. En todo caso, este nuevo escenario involucra mucho más a la madre porque se la muestra más pasiva, sometida, y a esa hija que decide no imitar ese modelo de vida.

REPARTOS

Esta puesta de ‘Romeo y Julieta’ marcará el corolario de la carrera artística de algunos integrantes históricos del Argentino, tal el caso de Christian Pérez (quien encarna el rol de padre), Gabriela Amalfitani “y algunas otras nanas”. Participarán como primeros bailarines invitados Wilma Giglio y Ryan Tomash, del Royal Danish Ballet, y Emmanuel Vázquez, del Ballet Municipal de Santiago de Chile.

Los roles protagónicos serán encarnados por Giglio y Tomash (el 28 y 30 de junio), Agustina Verde y Emmanuel Vázquez (29 y 1 de julio), Julieta Paul y Bautista Parada (2 y 8), y Melisa Heredia junto al mismo Parada (el 5). Dirige el Ballet Estable del Teatro Argentino Leandro Ferreira Morais y la Orquesta Estable será conducida en esta oportunidad por Diego Censabella.

¿Con qué compañía se encontró, Iñaki, en esta ‘rentrée’?

Primeramente, con una muy pequeña. Se hicieron dos audiciones; un concurso para estabilidad y otro para tomar gente para la obra, porque no nos daba el número para encarar un ballet completo. La compañía transita dos realidades: es un grupo con muchísimas ganas, con mucho ánimo. Están felices de volver a su escenario y es bellísimo percibirlo. Pero el comienzo fue complejo porque hacía mucho que no trabajaban con un pianista, que no encaraban un proceso tan complejo para poner en escena una obra grande como esta. Después de un parate de tanto tiempo, traté de que la mayor cantidad de gente y de repartos pudieran salir a escena y disfrutarlo. Por eso se trabajó mucho y hubo que ponerle mucha dedicación para que todos tengan la misma cantidad de ensayos. Mi intención siempre es que el tercer elenco no se sienta como tal, que dentro del montaje tenga la misma importancia que el primero. Todos merecen el mismo respeto y dedicación.

SIEMPRE MEJOR

Consultado sobre cuáles cree que son sus mayores méritos como coreógrafo y director artístico, contando el oficio acumulado en tantos años de escenario y la experiencia de haber montado una versión propia de ‘La dama de picas’ en Rusia en 2019, Iñaki insiste en que no son definiciones que él pueda dar. “Sí puedo decirte que a mí me gusta trabajar con los bailarines. La Plata es mi ciudad, el Argentino está cerca de mi casa, es familiar para mí, es parte de mi historia. La última vez que había estado fue hace diez años y cambió mucho desde entonces. Siento que por mi apasionamiento soy del tipo de coreógrafo que hasta el último momento los va a incentivar y va a tratar de enseñarles que siempre se puede mejorar. ¡Pero ojo! -avisa-, no soy un inconformista, estoy muy feliz con el resultado que estamos alcanzando, aunque siempre voy detrás de la belleza y la verdad. Belleza, armonía y verdad son sinónimos, tres cosas que hacen a la calidad de un espectáculo y que brindan siempre excelentes resultados.

Por último, apenas estrenada ‘Romeo y Julieta’ ya parte a Uruguay para montar una nueva obra.

Así es. Se trata del estreno de ‘Estaciones rioplantenses’ con el Ballet del Sodre. Una propuesta muy distinta, completamente urbana, que transcurre en una calle de Buenos Aires o Montevideo, dos ciudades que conozco mucho, de las que sé bien cómo sienten y cómo se mueven. Ciudades con complejidades completamente diferentes a las de ‘Romeo y Julieta’. Me refiero a la violencia, la desigualdad, a la justicia por mano propia, pero también con atractivos como la sensualidad de los cuerpos, de los movimientos. El hilo conductor, además de la partitura de Astor Piazzolla, es un movimiento heterogéneo de gente que deambula por la calle y va creando situaciones de acuerdo con el leitmotiv musical, sin una correlación unas con otras. Es probable que el estreno sea el 26 de julio, después de un mes fuerte de montaje para una obra que dura 26 minutos. Ya estuve tres semanas en el Sodre el año pasado para darles clase y conocerlos trabajando. Porque para montar una obra necesito tener ese acercamiento con la gente, no me sirve verlos en una clase porque así no los conozco humanamente y uno trabaja con la historia personal y el conocimiento de cada uno de ellos como artistas.